::~ Masacre De Boston ~::

La llamada Masacre de Boston ocurrió un nevado lunes por la noche 5 de marzo de 1770 y fue la chispa que hizo saltar la “Revolución Americana”. La tensión ocasionada por la ocupación militar de Boston, se incrementó tras los disparos que un grupo de soldados realizaron contra un grupo de civiles que estaban creando disturbios. John Adams diría más tarde que, tras la noche de la Masacre de Boston, la fundación de la independencia de América fue instaurada.
El incidente comenzó cuando un joven aprendiz de un fabricante de pelucas llamado Edward Garrick, se acercó a un oficial de la Casa de Aduanas en la noche del cinco de marzo solicitando un pago de su maestro. Cuando el aprendiz se volvió bastante ruidoso en sus demandas, un centinela británico, el Privado White, sacó al joven fuera del edificio y comenzó a golpearle por su insolencia. Garrick, furioso, volvió con un grupo de colonos y arrojaron a White bolas de nieve, hielo y basura.
El alboroto hizo salir al Oficial del Día, el Capitán Thomas Preston, que llegó en ayuda de White con un Cabo y un grupo de ocho soldados privados del 29º Regimiento de a Pie. La muchedumbre creció en tamaño y continuó lanzando piedras, maderas y trozos de hielo a los soldados británicos.
En medio de la confusión, se escuchó la orden “no disparar” emitida por el Capitán Preston. Un soldado, el Privado Hugh Montgomery, cayó al suelo debido a que le golpearon, lo que le llevó a disparar “accidentalmente” al aire su mosquete. (Más tarde, sin embargo, admitiría que disparó deliberadamente a la muchedumbre). A los demás soldados les entró el pánico y comenzaron a disparar a la multitud. Tres americanos: Samuel Gray, James Caldwell y Crispus Attucks, un mulato, morirían al instante y, otros dos, más tarde. Samuel Maverick moría al día siguiente y Patrick Carr cerca de una semana después. Los hechos fueron descritos por un platero y grabador de Boston, llamado Paul Revere, que vivía cerca de allí. Revere muestra de forma incorrecta los hechos. Según él, fue una pelea cuerpo a cuerpo, sin nieve en el suelo, Attucks era blanco y el Comandante británico estuvo siempre detrás de sus tropas. El cartel que indicaba “Casa de la Aduana”, se alteró para poner “Carnicería”.
Christian Remick, quien coloreó el grabado, señaló incorrectamente que el evento ocurrió de día añadiendo azul cielo, pese a que se observa claramente que está la luna en cuarto creciente.
Los soldados implicados fueron juzgados por un jurado compuesto por colonos y con John Adams y Josiah Quincy II, un famoso abogado americano, como abogados de la defensa. Seis de los soldados fueron hallados no culpables y otros dos -los dos únicos que se comprobó que habían cargado dos veces sus mosquetes-, Hugh Montgomery y Matthew killroy, fueron encontrados culpables de homicidio, lo cual se penaba realizando una marca en el pulgar. El oficial, el Capitán Thomas Preston, fue absuelto; el jurado no pudo probar si había realmente ordenado a sus soldados disparar. La decisión del jurado da a entender que creía que los soldados fueron claramente provocados pero, que su uso de la fuerza fue desmesurado.
Samuel Adams acuñó el término Masacre de Boston y la usó para propósitos de propaganda. Argumentaba que la importancia no radicaba en el pequeño número de víctimas, sino en el hecho de la participación de la clase trabajadora americana en un acto revolucionario. El funeral por las cinco personas fallecidas fue el acto que congregó al mayor número de personas hasta esa época en América del Norte. Los “Bostonianos” allí congregados, exigieron la partida de las tropas británicas de la ciudad.

*::*:: La Ronda De Noche ::*::*

El título correcto de esta obra es "La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytemburch ". El título popular se debe a un error de interpretación del siglo XIX, debido a la suciedad del cuadro; una restauración en 1947 demostró que se trataba de una escena diurna.
Fue un encargo de la Corporación de Arcabuceros de Amsterdam para decorar el Cuartel General de la Guardia Cívica de dicha ciudad. De ahí sus grandes dimensiones. Con motivo de un traslado, en 1719, sufrió un recorte por sus cuatro lados. Conocemos el formato original por dos copias (una acuarela y un óleo) del siglo XVII. El pintor representa el momento en que la Compañía se pone en marcha, dirigida por el capitán Cocq y el teniente Van Ruytenburch. Aparecen 16 soldados, llevando banderas, mosquetes, alabardas, tambores. Vemos también otros personajes: tres niños corriendo y un perro que ladra, añadidos por el pintor para animar la escena.
muy compleja, aparentemente desordenada. Presenta al grupo de forma espontánea y libre, captado en un instante, como si se tratase de una fotografía. Hay enorme animación y ruido, cada uno hace cosas distintas, en las más variadas actitudes y posturas, con movimiento vivo. El centro de la composición lo forman el capitán y el teniente, organizándose el resto en grupos triangulares , con un movimiento curvo. Unas figuras son muy visibles, pero otras desaparecen en la penumbra y sólo vemos sus cabezas. Los personajes están colocados en cuatro planos de profundidad; existen multitud de líneas, con predominio de las diagonales y el zig- zag para dar dinamismo.
La luz es la auténtica protagonista, la utiliza para componer el cuadro. La técnica es tenebrista, por influencia de Caravaggio. El pintor está preocupado por el claroscuro. Crea zonas de penumbra dorada frente a otras fuertemente iluminadas, que ciegan y deslumbran (como la niña que corre, con un gallo colgado en el cinturón). La luz emana del interior de las figuras, irreal, creando una atmósfera mágica y misteriosa.
El color es muy rico, lleno de contrastes y matices. Destacan el brillante amarillo del traje del teniente, con un fajín rojo anaranjado, frente al negro del traje del capitán en el centro del cuadro. Predominan los tonos cálidos, dorados. El color ha sido aplicado con pinceladas anchas, espontáneas y pastosas.
El cuadro está constituído por la luz y el color. Observamos todas las características típicas del Barroco: composiciones llenas de movimiento y dinamismo, con predominio de líneas diagonales y curvas; colorido rico y variado, con un color que unifica el cuadro (el dorado); contrastes de luces y sombras; desvalorización de la línea; realismo y gusto por el detalle; falta de claridad y confusión (lo más iluminado es lo que menos percibimos, como la enigmática niña), etc.
Significado: el pintor convierte un acontecimiento normal de la vida holandesa en un hecho grandioso. Mezcla el retrato colectivo con el cuadro de historia y realiza una auténtica revolución, tanto por la disposición novedosa y atrevida de los retratados como por su técnica fabulosa. Rompe con las convenciones del retrato de grupo. Rembrandt ordena a los retratados no por su jerarquía sino por razones plásticas, supeditando sus intereses particulares a la unidad de acción. La mayoría de los retratados se quejaron porque todos no aparecían claramente ni mostraban con precisión el rango que poseían. El pintor demuestra su libertad de espíritu y su modernidad.

:: El Día Señalado ::

Después de haber sido respondidas la preguntas
1- ¿Louis es culpable?

2- ¿El juicio debe ser sometido a la aprobación del pueblo?

3- ¿Cual será la pena a imponer?
Con un afirmativo y muy peleado SI

El 21 de enero seria el día escogido

A las seis de la tarde el cura entra en los aposentos del Rey. Luis habla un poco y le lee su testamento. Luego le pide pasar con el al gabinete vecino para entrevistarse con su familia. Marie Antoinette entra, llevando a su hijo de la mano. Con ella vienen la Señora Elizabeth y la Señora Royale, Todos lloran. Es el momento más doloroso de la familia real. El momento culminante en donde se miran como humanos, despojados de toda vanidad, de todo título, de todo protocolo.

Cuando llegó al sitio donde estaba la guillotina se arrodilló al lado del cura y recibió su última bendición. Los ayudantes de Samson intentaron, seguidamente, amarrarle las manos, pero el Rey, indignado, los rechazó diciendo que eso no lo permitiría jamás. Los verdugos estaban prestos a usar la fuerza, pero el abate Edgeworth aconsejó a Luis: "Haga este sacrificio, señor. Este nuevo ultraje es un nuevo trazo de similitud entre su majestad y Dios." Efectivamente, los verdugos ataron sus manos atrás con un pañuelo y, además, cortaron sus cabellos. Apoyado en el abate sube hasta la guillotina y en el último minuto Luis se desvía y camina hacia el borde de la plataforma en dirección de Tuilleries, haciendo callar los tambores con sus gritos. "¡Franceses, yo soy inocente, yo perdono a los autores de mi muerte, yo ruego a Dios para que mi sangre vertida no caiga jamás sobre Francia! Y ustedes, pueblo infortunado... En ese momento Beaufranchet, el ayudante general de Santerre, se precipita a caballo sobre los tamboreos y les da la orden de tocar. El Rey intenta callarlos, dando golpes con su pie sobre la tarima, pero ya nadie le oye. Los cuatro verdugos, a la fuerza, lo tumban sobre la plancha de la guillotina. El rey se resiste, grita. La cuchilla baja con rapidez extraordinaria y corta su cabeza chispeando de sangre al abate. Samson coge la cabeza por los cabellos y ¡la muestra al pueblo!Los federados, los fanáticos, los furiosos radicales, suben a la tarima y ¡mojan sus sables, sus pañuelos, sus cuchillos y sus manos con la sangre del rey! Gritan "¡viva la nación!", "¡viva la república!", pero casi nadie les responde. El verdadero pueblo enmudece, palidece, queda estupefacto. Una leyenda famosa en Francia asegura que el abate le dio el adiós al rey gritándole: "¡Hijo de San Luis, suba al cielo!" El pueblo se dispersa lentamente. Con estupor. Con incertidumbre. Con un sentimiento tan contradictorio como la misma duda. La sensación es de desasosiego, incertidumbre, malestar en el alma...No era para menos: La revolución se apresuraba a devorar la sangre de sus más hermosos hijos.

La Revolución Industrial afecto el clima en el ártico

Un equipo de investigadores norteamericanos estudió las deposiciones de hollín y otras sustancias en el Ártico; así como sus efectos en el clima regional a lo largo de los dos últimos siglos, los cuales fueron consecuencia de la Revolución.

La investigación cubre un período de 215 años, desde 1788 hasta 2002; es decir, comienza con la misma Revolución Industrial que, convencionalmente, se sitúa en los últimos decenios del siglo XVIII. Según los investigadores el período en el que se produjo la mayor deposición de hollín sobre suelo ártico fue el comprendido entre los años 1850 y 1951, con un máximo en 1906/10. Según los cálculos ofrecidos por los investigadores, en el período 1850-1951 las deposiciones de hollín doblaron a las del período anterior 1788-1849 y -casi- al del período posterior 1952-2002. El máximo de toda la serie fue 1908, cuando las deposiciones fueron diez veces mayores a la media del período preindustrial. De forma paralela, en esos años el calentamiento de los hielos del Ártico por esta causa fue ocho veces mayor que en dicho período.

El hollín genera un efecto de calentamiento sobre el hielo porque, al ser oscuro, absorbe los rayos solares.

Según las investigaciones del grupo, este efecto pudo haber provocado un temprano derretimiento del hielo ártico.

La familia de Felipe V

Van Loo fue uno de los pintores de la corte francesa que Felipe V, primer monarca de la dinastía borbónica se trajo consigo al subir al trono español. La llegada de Van Loo determinó un cambio radical en la retratística oficial de la corte española, siempre en el estilo de Sánchez Coello, Velázquez, etc. En cambio, el retrato oficial que propone Van Loo es el propio del final de Barroco Francés , muy rococó, adornado, distraído en multitud de detalles que enriquecen el marco en el cual se incluyen las figuras de los protagonistas. El estilo es muy recargado y colorista, lejos de lo que hasta ese momento se había visto en España, sobre fondos oscuros y neutros. El éxito de este tipo de retrato fue un tanto limitado, y siempre se ajustó a pintores extranjeros o españoles muy cercanos a su círculo, como ocurrió con Mengs y Maella. En el retrato familiar de Felipe V, el grupo de la izquierda lo constituyen los siguientes personajes: la infanta María Ana Victoria, futura esposa del rey José I de Portugal ; doña Bárbara de Braganza, próxima reina de España, procedente de Portugal; el príncipe de Asturias Fernando, futuro rey de España con el nombre de Fernando VI. El grupo central está integrado por el rey Felipe V, primer monarca español de la casa de Borbón; el cardenal-infante don Luis, hijo menor de los reyes; la reina Isabel de Farnesio, en el centro de la escena, apoyando su brazo izquierdo en el cojín que sostiene la corona, simbolizando así su poder; don Felipe, hijo segundogénito de los reyes y duque de Parma; Luisa Isabel de Borbón, hija de Luis XV y esposa del duque de Parma. En el suelo juegan con un perro las infantas María Luisa, hija de los duques de Parma, y María Isabel, hija de los reyes de Nápoles. El grupo de la derecha está presidido por Carlos, en aquel momento rey de Nápoles y futuro monarca de España con el nombre de Carlos III; tras él, su esposa, María Amalia de Sajonia, huja del rey de Polonia, Felipe Augusto III; María Antonia Fernanda, hija de Felipe V que fue reina de Cerdeña, y María Teresa, delfina de Francia. Tras el amplio cortinaje rojo que teatralmente cae del techo encontramos un balcón, donde un grupo musical interpreta un concierto. Los reales personajes se sitúan en un amplio salón abierto a un jardín. Van Loo se interesa especialmente por la riqueza de las calidades de las telas y por los detalles de bordados, joyas, zapatos y vestidos, demostrando su habilidad inspirada en la escuela flamenca. En esta obra se pone de manifiesto la singularidad retratística del pintor francés, que supo sintetizar el estilo oficial vigente, en el que se congregan influencias de Rubens, de Van Dyck y resonancias italianas con el sello adulador y ligero de lo francés en un hábil juego, íntimo y victorioso.

Tiziano Vecellio y su "Asunción de la Virgen"

Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana.

Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.
En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.

En 1518 completó, para el altar mayor de la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari en Venecia, la Asunción de la Virgen, que aún permanece allí. Esta extraordinaria pieza del colorismo, realizada en una gran escala cromática raramente usada en Italia anteriormente, causó sensación en su época.

La Asunción de la Virgen

Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño, pues alcanza los 6,90 metros de alto y 3,60 m. de ancho. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.

Historia

Esta tabla fue importante pues estableció la popularidad de Ticiano en Venecia, aunque en un principio suscitó tanta admiración como reticencia. Según algunas fuentes, en la ceremonia de inauguración, un enviado del emperador Carlos V estaba presente: pidió a los frailes, que dudaban de la calidad de la pintura, que se la vendieran si alguna vez decidían quitarla.

Alonso Cano... El Miguel Ángel español

Alonso Cano (1601-1667), es el "feligrés" más universal de esta parroquia, es el artista español más completo del barroco de los siglos XVII y XVIII según muchos autores.¿Cómo es la personalidad de este hombre universal del barroco del siglo de oro, conocido como el Miguel Ángel español?
Alonso Cano, nacido en Granada en 1601 era hijo de Miguel Cano y de María de Almansa, miembro de una familia con seis hijos. Su padre llegaría a trabajar en 1603 en la parroquia como ensamblador del primitivo retablo, pero ya dos años antes había conocido este templo al bautizar a su hijo Alonso Cano.
Hasta esta parroquia -situada en las afueras de la muralla del Albayzín- se había trasladado el 19 de marzo de 1601 para bautizar a su hijo. La pila bautismal en
la que Alonso Cano era introducido en la Iglesia católica estaba entonces en la entrada. Un lugar que hoy ocupa una impresionante carroza barroca de 1765 adornada con motivos eucarísticos y tirada por caballos que servía para llevar el viático a los enfermos por las empedradas calles del Albayzín. Enganche de tiro que también se utilizaba en los días de fiesta para llevar a Dios sacramentado.

Catorce años dura su estancia en Granada con su familia. En 1614 se traslada a Sevilla (donde hace amistad con Diego Velázquez) y posteriormente a Madrid, donde se convierte en pintor y ayudante de cámara del Conde Duque de Olivares. Sus primeras obras pictóricas son tenebristas, aunque conoce las colecciones reales y la pintura veneciana tras su paso por la Corte. Cambia entonces para crear un estilo idealizado, clásico, de una calidad similar a la de los mejores pintores, de formas delicadas y graciosas, al igual que hizo también con sus obras escultóricas y arquitectónicas.
Cuadros de Alonso Cano, como "La visión de Jerusalén por San Juan Bautista", "La Anunciación" o "El milagro del Pozo" se conservan en iglesias y museos de Londres, Madrid, Berlín, Munich, Sevilla, San Petersburgo, Glasgow, Granada .

Su tránsito al otro mundo estuvo sellado también por la belleza. Al presentarle su confesor un crucifijo de tosca hechura el 3 de septiembre de 1667, se le atribuye que prefirió cerrar los ojos e imaginarse uno mucho más bello. Tenía sólo sesenta y seis años.

¿ Es la Mona Lisa... Un autorretrato ?

Leonardo Da Vinci pintaba para nosotros. Y si hay cielo, debería resucitar o ver este siglo desde una rendija. Hace ahora 500 años, Leonardo da Vinci dejaba la corte de Milán y regresaba a Florencia. en pleno apogeo de sus inquietudes y de su asombrosa capacidad creadora en todos los frentes.
Cuando Leonardo deja Milán en 1499, lleva consigo el bosquejo de la Mona Lisa sobre la que trabajó incesantemente y que aún tenía entre las manos en 1519, a su muerte en el castillo de Amboise.
Pero… Durante varios siglos muchos investigadores les ha atraído la misteriosa identidad de esta bella mujer, han tratado por todos los medios descifrar quien es aquella enigmática y bella mujer en quien se inspiro Da Vinci
En 1986 una pista de la supuesta identidad de la moraliza , alarmo al mundo de las artes.
Lillian Swartz y Gerald Holzman sacaron a la luz un análisis por ordenador, que accidentalmente Lillian había colocado una imagen de la mona lisa y un autorretrato de Da vinci, este al ser invertido, se acoplaron y emergió un solo rostro

Esto dejo perplejos a todo los que se encontraron con esta nueva teoría, dejando en cada uno de ellos la duda de si la bella mujer de la pintura fuera un autorretrato de su creador
Ahora si analizamos los dos bosquejos por pasos, nos daría por resultado esto :





Bien, pues ahora … las preguntas que sumergen de estas teorías serian: ¿ La pintura es en realidad el autorretrato de Da Vinci ? O ¿ Se trata de la duquesa italiana Isabela adaptada al estilo de Da Vinci ?
En realidad…. La verdadera respuesta e identidad de la mona lisa… se guarda en la tumba y recuerdos de Da Vinci y en los labios con comisuras hacia arriba de la enigmática y bella mujer denominada La mona lisa…

Relaciones entre los indígenas y los conquistadores....

Durante la conquista de América se produjo una catástrofe demográfica en los indígenas que habitaban el nuevo mundo (América), Las razones del mismo se encuentran en debate, distinguiéndose las corrientes que lo atribuyen a un efecto no deseado de enfermedades epidemias o infecciosas portadas por los conquistadores, para las cuales la población indígena americana no poseía defensas, por la cual no tardaron en recibirlas
Por otra parte, la brutalidad de la conquista y las condiciones del régimen de explotación a que fueron sujetos durante la mayor parte de la época colonial. Abusando de las mujeres de este nuevo continente sin piedad alguna

Mientras sostienen que las potencias europeas hayan causado un genocidio indígena, pero sostiene que varios de los estados nacionales americanos independizados, cometieron genocidios al conquistar territorios indígenas.

El colapso demográfico de la población original de América fue, según algunos autores, la causa esencial de su derrota militar. Steven Katz ha dicho al respecto:

Muy probablemente se trata del mayor desastre demográfico de la historia: la despoblación del Nuevo Mundo, con todo su terror, con toda su muerte